Vida de fotógrafos

Sophie Calle

Fotógrafa autodidacta francesa nacida en París en 1953. Su producción artística se sitúa en el diverso contexto por el que atraviesan las Artes Plásticas en su paso del siglo XX al XXI. A pesar de utilizar la fotografía como medio expresivo, sus composiciones e instalaciones, valiéndose de ésta y amplios textos, la relacionan con el arte conceptual.

 

Tras finalizar sus estudios secundarios en 1972, Sophie Calle interrumpió la ampliación de éstos e inició un viaje por el extranjero que prolongó durante siete años. A su regreso a la capital francesa en 1979, Calle tenía una amplia experiencia en fotografía que había adquirido de forma autodidacta. Sus primeros proyectos se centraron en retratar la ciudad, que con el paso del tiempo se había convertido en un terreno extraño para la artista. Por ello, comenzó a fotografiar recorridos urbanos escogidos por ella, en los que primaba el azar y la identificación personal de la fotógrafa con diversos rincones de París, conformando así lo que podríamos denominar una "cartografía sentimental" en la que Calle redescubre la capital francesa.

 

En abril de 1979 comenzó un nuevo proyecto que tituló "The Sleepers" ("Dormilones"). Para ello, la artista invitó a su casa a decenas de amigos y amigas, incluso desconocidos, y les invitó a ser retratados mientras dormían en su cama. La experiencia no se limitó al empleo de la fotografía como elemento documental; la artista entrevistaba después de cada sesión a sus modelos y les preguntaba sobre sus hábitos de conducta y los sueños recurrentes que experimentaban. A partir de esta primera exposición, los trabajos de Calle siguieron una linea de identidad creativa que se fundamenta sobre todo en su interés, que linda con el vouyerismo, de retratar personas desconocidas y documentar sus itinerarios diarios, sus costumbres y su vida privada. Buen ejemplo de ello es su serie "Suite Venetienne" ("Suite Veneciana", 1980), que fue editada en forma de libro en 1983. La serie consistió en documentar fotográficamente la estancia en Venecia de un desconocido (Henri B.) que le fue presentado en la inauguración de una de sus exposiciones y le comunicó que al día siguiente emprendía un viaje a la ciudad de los canales. Este interés en la penetración de la vida privada se manifestó también en su siguiente serie: "L'Hotel" ("Hotel", 1981). Cuando finalizó la persecución de Henri B., Calle solicitó trabajo como camarera en un hotel veneciano. Ello le permitió acceso a todas las habitaciones del hotel de las que dejó constancia fotográfica, retratando con su objetivo las pertenencias de los huéspedes. Para su siguiente serie titulada "The Shadow" ("La Sombra", 1981), la fotógrafa contó con la colaboración de un detective privado y un amigo de la artistas. Éste se encargó de contratar al detective para que siguiera los pasos de Calle y a la vez se encargó de comprobar como realizaba su trabajo. Volvemos a encontrar en esta obra una constante en la producción artística de Sophie Calle: el individuo anónimo que se ve espiado por alguien que a su vez es controlado por alguien cercano a la artista.

Estas diversas series de trabajos le proporcionaron cierta fama en los círculos artísticos de la capital francesa hasta el punto de que el periódico "Libération" le propuso colaborar con una serie de artículos. Tras su matrimonio en 1992 con Greg Shepard, trabajó en la serie de fotografías titulada "The Husband" ("El marido"). En ella, como en su película No sex last nigth ('No hubo sexo anoche', 1992-95), cuenta su efímero matrimonio con el escritor norteamericano, desde el "ritual totalmente inútil" de la boda y el viaje de luna de miel, hasta su prematura separación. Este año inició también su fructífera colaboración con el escritor norteamericano Paul Auster; éste interesado por el trabajo y la personalidad de la fotógrafa francesa la incluyó como personaje de su novela Leviatan (1992). La última colaboración entre la fotógrafa francesa y el escritor norteamericano consistió en la edición a medias del libro Double Game ('Doble Juego', 1999), que consiste en una recopilación de sus anteriores colaboraciones.

Chema Madoz

 Chema Madoz, actualmente uno de los mejores fotógrafos que existen. La originalidad de sus trabajos lo convierte en un fotógrafo que goza de muchos seguidores de sus obras. Observa las mejores fotos de Chema Madoz e ingresa en el mundo simbólico de ellas.

Chema Madoz nace en Madrid, España, en 1958 y es actualmente uno de los fotógrafos más reconocidos y populares de aquel país, además de gozar de una importante reputación a nivel mundial.

Cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid (1980-1983) al tiempo que realizaba estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

Su obra se destaca por incluir imágenes blanco y negro donde se destacan excelentes juegos de imaginación en diferentes texturas y perspectivas. Actualmente trabaja con una cámara Hasselblad de formato medio, la cual posee desde hace diez años.

En las fotografías de Chema Madoz el observador es empujado a la reflexión a través de las formas de sus objetos surrealistas y termina por realizar un ejercicio poético.

En 1985 La Real Sociedad Fotográfica de Madrid decide exponer su primera muestra individual. Tres años después la conocida Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) realiza la apertura de su programación de fotografía exponiendo sus trabajos.

Con el comienzo del último decenio del siglo XX, Chema Madoz, comienza a trabajar y desarrollar el concepto de objetos, con el cual se convertirá en un fotógrafo sumamente famoso.

En 1991 sus obras salen de España por primera vez con la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que organizara el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Como si fuera poco, el nivel de su creciente trabajo era premiado con el Premio Kodak, un importante aliciente para que su trabajo no cesara.

Su carrera se encontraba en ascenso y en 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. Dos años después sus trabajo comenzó a editarse en diferentes publicaciones. El primer libro es una monografía que repasa su carrera y trabajos en ese primer decenio como fotógrafo profesional: Chema Madoz (1985 - 1995).

En 1998 se publica "Mixtos - Chema Madoz" y al año siguiente realiza dos importantes muestras en su país. Su obra continúa y su fama aumenta con el transcurrir de los años.

En el año 2000 recibe su máximo reconocimiento y galardón: el Premio Nacional de Fotografía de España.

Desde entonces sus trabajos han recorrido el mundo entero y su nombre es uno de los iconos actuales del arte fotográfico.

Cindy Sherman

La artista Cindy Sherman es una fotógrafa nacida en New Jersey en 1954 y desde que abandonó sus estudios de pintura, se dedicó a hacer fotografías… de ella misma.

Cuando los conocedores de arte hablan del trabajo de esta fotógrafa siempre utilizan la frase “Arte Conceptual” por lo que hay un consenso generalizado en que Cindy Sherman es una artista conceptual. Desde su primera exposición que se llamó Untitled A en 1975 se puede ver a la artista personificando otras mujeres, incluyendo una versión imaginada de la actriz italiana Sofía Loren. Esta exposición, apadrinada por el otro artista conceptual Robert Longo (de quién quizás conocemos un poco más porque una de sus obras de la serie Men in the Cities 80’s) está o estaba en el Museo de arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber o como sea que se llame ahora) es el inicio de lo que luego en retrospectiva cubriría un periodo que va desde 1975 a 1980 que se llamó UNTITLED FILM STILLS y que el Museo de Arte Contemporáneo de New York (MoMA) compró por un millón de dólares en 1995.

Cindy Sherman, además de haber posado como actriz, se ha representado como Dama de Sociedad, como hitchhiker y como modelo para su serie Centerfolds/Horizontals de 1981, dónde parece salida de Vogue o Playboy, lista para su close-up o asustada de quitarse la ropa. Esta serie es personalmente mi favorita pero en su momento fue rechazada por Ingrid Sischy (Vanity Fair/InterviewMagazine), quien le encomendara esas fotos para la revista Art Forum que editaba en ese momento. Pero no está demás recordar que quizás la serie más famosa de la artista escuando posó como payaso. Su serie Clowns de 2003 que es, digamos, la más colorida técnicamente hablando.

Cindy Sherman ha trabajado también comercialmente. Ha realizado fotografías para campañas de Balenciaga, la compañía de cosméticos M.A.C y junto con Juergen Teller para los avisos de siempre de Marc Jacobs y en 1997 dirigió la película Office Killer, que no es normal verla en TV y que sin duda no fue un éxito comercial.

Pero volviendo a su trabajo mas conocido, siendo Cindy Sherman misma su principal modelo, hay una situación femenina que resalta en su obra. Esta propuesta ha tenido eco en otras artistas como Róisín Murphy quien siempre ha dicho que la obra de Cindy la inspira y por eso en el video de su canción You Know Me Better se transforma en Cindy Sherman tranformada en sus personajes.

Hablar de Cindy Sherman nunca está de mas, pero este momento parece el mas idóneo porque hasta el 11 de junio de este año, en el MoMA se presenta la retrospectiva mas grande que se ha hecho de su carrera dónde muestras de todas sus series están a lavista de los visitantes del museo, incluyendo a mi amigo Rafael que estuvo en New York de vacaciones y le avisé del evento, espero que regreso pronto de su viaje para que hablemos de su visita a la exposición y seguir conociendo más del trabajo de esta artista.

MAURICIO ALEJO

" LA BELLEZA DE LO ABSURDO"

Mauricio Alejo es un fotógrafo y artista visual mexicano que trabaja con objetos cotidianos posicionados, recortados o pintados de una manera absurda. La obra de Alejo le da un nuevo significado a las cosas que él considera que vemos de una manera prejuiciosa o que hemos olvidado. Su trabajo se enfoca también en objetos que hacen referencia a la infancia, por lo que evoca sentimientos de nostalgia. 

Mauricio Alejo nació en la Ciudad de México en 1969, estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México y Comunicaciones en la Universidad Intercontinental. En 2000, el fotógrafo recibió la prestigiosa beca Fullbright y desde entonces trabaja y reside entre Nueva York y la Ciudad de México. En 2011, la obra de Mauricio Alejo formó parte de la exposición The Life of Objects (la vida de los objetos) que se llevó a cabo en la galería Voght en Nueva York. La exhibición mostró el trabajo de seis artistas latinoamericanos en diversos medios. Con la pieza "Breathing" (respirando), que consiste de tubos y bolsas de plástico, Alejo incursionó en la instalación. 

Mauricio Alejo ha sido reconocido internacionalmente por encontrar belleza en cosas sencillas y cotidianas que normalmente pasan desapercibidas. 

Joel Peter Witkin

Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una téFotoscnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.